Antonio Canova est un sculpteur et peintre italien. Il était le représentant le plus important du classicisme dans la culture européenne. Les universitaires du XIXe siècle, dont Thorvalsen, le considéraient comme un modèle. Les plus grandes collections d'œuvres de Canova sont conservées au Louvre et à l'Ermitage.
Un représentant exceptionnel du nouveau classicisme glorifié de la beauté idéale. Avec ses œuvres, il a fait une révolution dans l'art. Le maître a commencé à créer à la manière baroque de Lorenzo Bernia, mais a ensuite réussi à trouver sa propre voie.
Le début de la créativité
La biographie du célèbre maître a commencé en 1757. Il est né dans la ville italienne de Possagno dans la famille du tailleur de pierre Pietro Canova et de son épouse Angela Zardo Fantolini le 1er novembre. Le père mourut en 1761. L'enfant fut élevé par son grand-père.
Pazino Canova, propriétaire d'ateliers de maçonnerie, se distinguait par un caractère très difficile. Le garçon a appris à travailler la pierre. Le grand-père a remarqué le talent de son petit-fils et a présenté Antonio Giovanni Faliero. En 1768, sous le patronage d'un sénateur influent, le jeune maître commence à réaliser ses premières œuvres.
Afin d'enseigner à son petit-fils, le grand-père a vendu la ferme. Avec les fonds reçus, Antonio a pu étudier l'art de l'époque de l'antiquité. En octobre 1773, le jeune homme commence la sculpture Orphée et Eurydice, commandée par son mécène. Il finit de sculpter Canova deux ans plus tard. Le succès de l'œuvre fut assourdissant.
L'art grec ancien devient une source d'inspiration pour le jeune sculpteur. Les chefs-d'œuvre reconnus de sa modernité n'étaient pas inclus dans le nombre de modèles. Antonio a ouvert son atelier à Venise. Une nouvelle composition, "Dédale et Icare", y fut créée en 1779. Après l'avoir exposé sur la Piazza San Marco, il a de nouveau été universellement reconnu.
Très bon travail
L'une des premières œuvres réussies de Canova présente deux personnages. Icare est impeccablement beau et jeune. Le corps du vieux Dédale est imparfait.
Dédale et Icare
Sur l'exemple de la juxtaposition de la jeunesse et de la vieillesse, l'impression de la composition est grandement renforcée.
Le sculpteur a trouvé et utilisé une nouvelle technique favorite. L'axe de symétrie court au centre, mais la figure d'Icare est inclinée vers l'arrière. Ensemble, les deux héros créent une ligne en forme de X, offrant l'équilibre nécessaire. Le jeu d'ombre et de lumière était également important pour le maître.
En 1799, le maître de vingt-deux ans s'installe à Rome. Il a commencé à étudier les créations des maîtres de la Grèce. Ayant reconnu tous les personnages principaux de la mythologie, Canova a commencé à réfléchir à ses propres traditions artistiques. Le jeune maître les fonde sur la noblesse de la simplicité. Cela a sensiblement affecté son travail.
Cupidon et Psyché
Les sculptures d'Antonio étaient placées sur un pied d'égalité avec les sculpteurs légendaires de l'antiquité. Le maître a travaillé pour améliorer le style classique. Le sculpteur s'intègre parfaitement dans l'atmosphère culturelle de la ville éternelle. Son travail lui a valu une reconnaissance et un succès mondial.
La composition "Cupidon et Psyché", exécutée en 1800-1803, est représentée par deux personnages. Le Dieu d'amour regarde avec tendresse le visage d'une belle bien-aimée. Psyché lui répond avec le même sentiment. L'intersection des deux formes forme une ligne en X sinueuse et douce.
Le public a l'impression que les personnages flottent dans les airs. Psyché avec Cupidon s'écarte en diagonale. L'équilibre est atteint par les ailes déployées de l'habitant de l'Olympe. Le centre de la composition est Psyché, étreignant le dieu de l'amour. Les formes sont élégamment fluides. C'est ainsi que le maître exprime l'idée de l'idéalité de la beauté. L'original de la statue est conservé au Louvre.
Les premières œuvres du sculpteur ont répété les œuvres de sculpteurs célèbres. Cependant, en étudiant les œuvres des maîtres grecs, Canova a décidé d'éviter d'exagérer l'importance de la passion et des gestes dans ses compositions. Il est arrivé à la conclusion que ce n'est que par un calcul et un contrôle stricts qu'il pouvait transmettre la sensualité avec l'idéalité.
Les œuvres du maître ne ressemblaient en rien à l'art familier à ses contemporains. Pas à pas, Canova a créé des œuvres uniques, de la cire et de l'argile au plâtre. Ce n'est qu'après que le travail du marbre a commencé. Le sculpteur a travaillé sans relâche pendant 14 heures, ne quittant pas l'atelier une minute. Il n'y a aucune information sur sa vie personnelle.
Trois Grâces
Entre 1813 et 1816, la sculpture "Les Trois Grâces" a été créée. L'idée est venue de Joséphine Beauharnais. Il y a des hypothèses qu'au début, le sculpteur allait représenter Harit de manière traditionnelle, comme cela était supposé dans la mythologie. Thalia, Euphrosinia et Aglaya, les belles filles de Zeus, accompagnaient la déesse de la beauté Aphrodite.
La joie, la prospérité et la beauté sont devenues des symboles de grâce. La figure centrale de la composition est enlacée par les deux autres. L'unité est renforcée par le foulard qui les unit. Une sorte d'autel est un support de colonne avec une couronne placée dessus.
Le jeu d'ombre et de lumière est obtenu par les courbes douces des corps et le traitement idéal du marbre. Cette technique est utilisée dans d'autres créations du maître. L'harmonie et la sophistication sont incarnées dans les trois Charitas. L'original de la sculpture est conservé à l'Ermitage.
Le sculpteur n'utilisait que du marbre blanc pour le modelage. A l'aide de compositions harmonieuses, l'immobilité des créations semble vivante. On a l'impression d'être vivant en mouvement. Une caractéristique du talent du maître était le polissage maximal du matériau. Toutes les œuvres ont acquis un éclat particulier qui attire l'attention sur le naturel.
La Madeleine pénitente
Gênes abrite le travail exceptionnel de Canova. Il a été créé dans la période 1793-1796. Cette œuvre fut la première à apparaître à l'Exposition de Paris en 1808. Le centre de la composition est la figure d'une belle pécheresse au corps brisé, la tête inclinée et les yeux remplis de larmes. Elle ne peut pas quitter des yeux le crucifix dans ses mains.
La chemise à poils grossiers est soutenue par une cordelette, et les cheveux sont éparpillés sur les épaules. La figure est remplie de chagrin. Vêtements et corps - avec une légère touche de teinte jaunâtre. Avec cette technique, le maître accentue le contraste entre le charme rayonné par le pécheur et la connaissance des profondeurs pécheresses. Selon le plan du sculpteur, seul le pardon divin élève une personne.
Lors de l'occupation du pays par Napoléon, de nombreuses œuvres ont abouti en France. Après la chute de l'empire, Canova a commencé son retour. Le travail réussi du diplomate a permis le retour en Italie des œuvres exportées illégalement.
Le sculpteur exceptionnel mourut le 13 octobre 1822.
